Die Hitze spüren – und handeln

Im STRESSTEST-Raum des Deutschen Pavillons auf der 19. Architekturbiennale in Venedig strahlt eine Stahlskulptur gespeicherte Wärme ab. Die Besucherinnen und Besucher erleben körperlich, was Überhitzung bedeutet. Daniele Santucci vom Kuratorenteam bringt es auf den Punkt: „Es geht um eine sinnliche Erfahrung.“ Diese Unmittelbarkeit der Hitze-Erfahrung führt zu einer bemerkenswerten Parallele: Während Architektinnen und Stadtplaner über komplexe Schwammstadt-Konzepte und klimaresiliente Strukturen diskutieren, greifen immer mehr Menschen zu einer jahrtausendealten Lösung – dem Fächer.

In Valencia, nur eine Flugstunde von Venedig entfernt, kann Guillermo Carbonell diese Renaissance hautnah beobachten. Der 71-Jährige führt eine der ältesten verbliebenen Fächermanufakturen Europas. „Fächer sind plötzlich wieder in Mode“, sagt er und erzählt von Schlangen vor seinem Geschäft wie in den 1960er Jahren. Die Nachfrage ist so groß, dass spontane Großbestellungen – etwa 300 Stück für eine Hochzeit – nur mit einem Jahr Vorlaufzeit möglich sind.

Vom Statussymbol zum Klimaretter

Die Geschichte des Fächers reicht weit zurück. Frühe Darstellungen um 1800 vor Christus zeigen Diener mit Palmwedeln und Straußenfedern. Der faltbare Fächer, wie wir ihn heute kennen, wurde der Überlieferung nach im 7. Jahrhundert von einem japanischen Bauern erfunden, der die Flügelbewegungen einer Fledermaus beobachtete. Über Venedig gelangte diese Innovation im 12. Jahrhundert nach Europa, wo der Fächer zum weiblichen Statussymbol avancierte.

Bis ins frühe 19. Jahrhundert diente er als raffiniertes Kommunikationsmittel beim Flirten: Ein vor der Brust geöffneter Fächer bedeutete Ja, die Rückseite zeigte Nein an. In Edith Whartons Roman „Zeit der Unschuld“ löst eine flüchtige Berührung mit dem Fächer literarische Ekstase aus – die Londoner Times nannte es einen der „schärfsten Momente“ der Literatur des 20. Jahrhunderts.

Mit abnehmender Etikette und klimatisierten Räumen verschwand der Fächer weitgehend aus dem europäischen Alltag. Nur in Spanien blieb er durch den Flamenco Teil der Folklore. Karl Lagerfeld machte ihn zu seinem Markenzeichen – angeblich, um Zigarettenrauch und Mundgeruch anderer zu vertreiben, tatsächlich aber auch als effektvolles Machtinstrument.

Handwerk trifft Haute Couture

Die aktuelle Renaissance hat prominente Fürsprecher. Rihanna zeigte sich 2016 in Paris mit rosafarbenem Fächer, David Beckham fächelte sich 2022 in Venedig Luft zu. Auf Konzerten und Tennisturnieren gehört das Accessoire mittlerweile zur Standardausstattung. H&M bietet Plastikversionen für 7,99 Euro an, Prada verlangt für Modelle mit Kordel 690 Euro.

Diese Preisspanne spiegelt die Kluft zwischen Massenware und Handwerkskunst wider. „Die haben keine Ahnung, dass die echten spanischen Fächer komplett in Handarbeit entstehen und ein Dutzend Arbeitsschritte erfordern“, erklärt Carbonell. In seiner Werkstatt in Valencia sitzt Imma Cases am Fenster und faltet mit einer über hundert Jahre alten Pappform den Stoff. Blitzschnell entstehen die präzisen Plissees, die dann Falte für Falte an die 12 bis 48 Stäbchen geklebt werden.

Die Qualität zeigt sich im Detail: „Sind alle Stäbe exakt gleich lang und ganz glatt gefeilt, stammen sie mit ziemlicher Sicherheit aus Spanien“, verrät Carbonell seinen Qualitätstest. „Fühlen sie sich eher rau und uneben an, ist es garantiert Billigware aus China.“ Auch akustisch unterscheiden sich die Qualitäten: Ein gut gearbeiteter Fächer klingt beim Öffnen und Schließen „satt“ und „rund“, weil jede Falte perfekt einrastet.

Luxusmarken entdecken die Tradition

Viele Luxusmarken lassen in Valencia produzieren, ohne es öffentlich zu machen. Armani, Loewe und Dior arbeiten hingegen offen mit Carbonell zusammen. Als Maria Grazia Chiuri 2023 ihre Cruise Collection in Sevilla zeigte, kam sie mit einer ganzen Entourage in den Laden. „Sie nehmen alles, was mit Handwerk zu tun hat, offenbar sehr ernst“, erinnert sich Paula Carbonell, die das Familienunternehmen in fünfter Generation führt.

Das Ergebnis waren schwarze Fächer mit gemusterter Spitze, Dior-Logo und goldener Schließe. Die Bilder des Defilés gingen um die Welt, überall waren Models mit Fächern zu sehen. Demna zeigte für Balenciaga pechschwarze Exemplare mit extra großem Markenschriftzug – der Fächer als Statussymbol des 21. Jahrhunderts.

Analoges Wedeln in digitalen Zeiten

Der Hauptgrund für die Wiederentdeckung sind zweifellos die heißer werdenden Sommer. Elisabeth Endres vom STRESSTEST-Team formuliert es so: „Wir wollen zeigen, dass wir mit einfachen Mitteln, mit bewährten Prinzipien viel verändern können.“ Der Fächer verkörpert diese Einfachheit perfekt – eine Klimaanlage für die Hand, die weder Strom noch Ladekabel benötigt.

In technisierten Zeiten wirkt das analoge Wedeln nostalgisch und zugleich avantgardistisch. Es ist eine bewusste Entscheidung gegen die Abhängigkeit von Technik, ein Statement für Eigenverantwortung im Umgang mit der Klimakrise. Während Stadtplanerinnen und Architekten über komplexe Verschattungssysteme und Verdunstungsanlagen nachdenken, praktizieren Fächer-Nutzer bereits individuelles Klimamanagement.

Der Fächer als Zukunftsmodell

Die Carbonells in Valencia produzieren jährlich etwa 20.000 Fächer – Tendenz steigend. Immer öfter kommen Kundinnen und Kunden mit antiken Erbstücken zur Restaurierung. „Wir haben hier schon Fächer gehabt, an denen kaum noch Stoff hing“, erzählt Guillermo Carbonell. Die Bereitschaft, in Reparatur und Erhalt zu investieren, zeigt einen Bewusstseinswandel.

Der Fächer wird zum Symbol einer neuen Bescheidenheit im Umgang mit Ressourcen. Er verkörpert, was das STRESSTEST-Team „bewährte Prinzipien“ nennt: Durchlüftung, Bewegung, individuelle Anpassung. Während die Architekturbiennale nach großen Lösungen für die Überhitzung der Städte sucht, bietet der Fächer eine kleine, aber wirksame Antwort.

Gabriele G. Kiefer vom Kuratorenteam betont: „Klimaresiliente Strukturen können wir nur schaffen, wenn wir aufhören, sektoral zu denken.“ Der Fächer überwindet diese Grenzen mühelos – er ist Werkzeug, Mode-Accessoire, Kulturgut und Klimaanpassung in einem. In Zeiten, in denen jede eingesparte Kilowattstunde zählt, wird das stromlose Wedeln zur zukunftsweisenden Technologie.

Wenn im Sommer 2025 wieder Hitzewellen über Europa rollen, werden es nicht nur Klimaanlagen und Schwammstädte sein, die Linderung verschaffen. Es werden auch die kleinen, faltbaren Kunstwerke sein, die in Handtaschen und Jacketts auf ihren Einsatz warten – bereit, mit einer eleganten Handbewegung für Abkühlung zu sorgen.

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Zeitgenössische koreanische Architektur beeindruckt durch ihre Fähigkeit, Tradition und Moderne harmonisch zu vereinen. Sie steht für Innovation, Nachhaltigkeit und kulturelle Identität – und liefert Antworten auf globale Herausforderungen der Baukunst.

Tradition trifft Innovation

Koreanische Architektur hat ihre Wurzeln in einer jahrhundertealten Bautradition. Dabei war die Harmonie zwischen Mensch und Natur stets ein zentraler Leitgedanke. Diese Prinzipien finden sich noch heute in den Werken moderner Architektinnen und Architekten: Von traditionellen Hanoks, deren Räume flexibel genutzt werden können, bis hin zu modernen Gebäuden, die durch minimalistische Ästhetik und natürliche Materialien überzeugen.

Ein prägnantes Beispiel ist der Seoul City Hall Complex. Dieses Gebäude verbindet historische Elemente des Altbaus mit einer dynamischen, nachhaltigen Glasfassade. Der Entwurf symbolisiert den Wandel einer Nation, die es versteht, das Alte zu bewahren und zugleich den Fortschritt zu feiern.

Nachhaltigkeit als Kernidee

Nachhaltigkeit ist ein Schlüsselwort in der zeitgenössischen koreanischen Architektur. Während viele Länder noch versuchen, den ökologischen Fußabdruck von Bauprojekten zu minimieren, integriert Korea grüne Technologien und energieeffiziente Designs von Beginn an in den Planungsprozess. Ein Vorzeigebeispiel ist das National Institute of Ecology in Seocheon. Hier verschmelzen Architektur und Natur zu einem funktionalen Ökosystem: Begrünte Dächer, natürliche Belüftungssysteme und der bewusste Einsatz von Sonnenenergie machen das Gebäude zu einem Paradebeispiel nachhaltiger Baukunst.

Verbindung von Tradition und Moderne

Die Stärke koreanischer Architektur liegt in ihrer Fähigkeit, Tradition und Moderne zu vereinen. Das Dongdaemun Design Plaza (DDP) von Zaha Hadid illustriert dies eindrucksvoll. Die futuristischen Formen des Gebäudes wirken wie eine Hommage an die geschwungene Eleganz der koreanischen Landschaftsmalerei. Gleichzeitig integriert der Bau archäologische Stätten und historische Bezüge – ein Gleichgewicht, das kulturelle und technologische Grenzen sprengt.

Kulturelle Identität als Fundament

Neben Ästhetik und Nachhaltigkeit steht die Bewahrung kultureller Identität im Mittelpunkt. Dies zeigt sich auch in Wohngebieten wie dem Bukchon Hanok Village, wo alte, traditionelle Hanok-Häuser renoviert und modernisiert werden, um sie für neue Generationen nutzbar zu machen. Solche Projekte fördern nicht nur den Tourismus, sondern auch das Bewusstsein für lokale Werte und Geschichte.

Koreas Antwort auf globale Herausforderungen

In einer Zeit, in der Städte weltweit unter dem Druck von Urbanisierung, Klimawandel und Ressourcenknappheitstehen, setzt Korea auf innovative Lösungen. Intelligente Städte wie Songdo, die komplett digital vernetzt sind, zeigen, wie moderne Technologie den Alltag verbessern kann. Gleichzeitig wird großen Wert auf Lebensqualität und grüne Infrastruktur gelegt – ein Balanceakt, den viele Nationen noch erlernen müssen.

Kritische Perspektive: Wo bleibt die Partizipation?

Trotz aller Erfolge gibt es auch Kritikpunkte. Die Bürgerbeteiligung in koreanischen Bauprojekten ist oft begrenzt, und viele Planungen entstehen ohne umfassende öffentliche Diskussion. Gerade bei Großprojekten wie dem DDP oder Songdo International City wurde kritisiert, dass diese eher als Prestigeobjekte denn als inklusiver Raum für die Gesellschaft gestaltet wurden.

Fazit: Architektur mit Vorbildcharakter

Die zeitgenössische koreanische Architektur liefert inspirierende Antworten auf die Herausforderungen der Baukunst. Sie verbindet Nachhaltigkeit, Tradition und technische Innovation zu einer harmonischen Einheit, die weltweit Maßstäbe setzt. Dennoch zeigt der kritische Blick, dass auch hier noch Potenzial für mehr gesellschaftliche Partizipationbesteht.

Korea beweist, dass Baukunst nicht nur funktional, sondern auch ein kultureller und nachhaltiger Ausdruck sein kann – ein Vorbild für Architektinnen und Architekten auf der ganzen Welt.

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Metamorphose des Alltäglichen

Stellen Sie sich vor, Sie betreten ein altes Fabrikgebäude. Der Geruch von Öl und Metall liegt noch in der Luft. Doch statt verstaubter Maschinen finden Sie einen lebendigen Coworking-Space vor, in dem kreative Köpfe an der Zukunft arbeiten. Dies ist nur eines der faszinierenden Beispiele, die die Ausstellung präsentiert.

Die 24 ausgewählten Projekte zeigen eine beeindruckende Bandbreite: Von der Umwandlung einer Altbauwohnung in ein modernes Stadtdomizil bis hin zur Neugestaltung eines Seniorenheims – überall wird deutlich, wie Innenarchitektur Räume nicht nur verschönert, sondern regelrecht transformiert.

Mehr als nur schöner Schein

Doch wäre es zu kurz gegriffen, Innenarchitektur auf reine Ästhetik zu reduzieren. „Innenarchitektinnen und Innenarchitekten sind Raumstrategen„, erklärt ein erfahrener Kollege. „Wir denken in Funktionen, Abläufen und Atmosphären.“

Tatsächlich geht es bei der Neugestaltung von Räumen um weit mehr als eine hübsche Tapete oder ein paar schicke Möbel. Es geht darum, Räume zu schaffen, die perfekt auf die Bedürfnisse ihrer Nutzerinnen und Nutzer abgestimmt sind. Ein Paradebeispiel hierfür ist die Umgestaltung einer Arztpraxis: Warme Farben und natürliche Materialien sorgen für eine beruhigende Atmosphäre, während die durchdachte Raumaufteilung eine effiziente Patientenversorgung gewährleistet.

Nachhaltigkeit als Maxime

Ein roter Faden, der sich durch alle Projekte zieht, ist das Thema Nachhaltigkeit. In Zeiten des Klimawandels und knapper Ressourcen gewinnt das „Bauen im Bestand“ zunehmend an Bedeutung. Statt Gebäude abzureißen und neu zu errichten, werden bestehende Strukturen clever umgenutzt.

Ein besonders gelungenes Beispiel hierfür ist die Umwandlung eines Lagerhauses in ein modernes Fitnessstudio. Durch den Erhalt der charakteristischen Industriearchitektur und die Integration moderner Elemente entsteht ein einzigartiger Raum, der Geschichte atmet und gleichzeitig zeitgemäße Anforderungen erfüllt.

Die Herausforderung der Transformation

Der Weg von der Idee zur Umsetzung ist jedoch oft steinig. „Die größte Herausforderung liegt darin, die Visionender Kunden mit den baulichen Gegebenheiten in Einklang zu bringen“, verrät eine renommierte Innenarchitektin. „Oft müssen wir kreative Lösungen finden, um scheinbar Unmögliches möglich zu machen.“

Diese Kreativität zeigt sich beispielsweise in der Umgestaltung eines ehemaligen Schulgebäudes zu einem modernen Bildungszentrum. Flexible Raumelemente und mobile Trennwände ermöglichen es, die Räumlichkeiten je nach Bedarf anzupassen – eine ideale Lösung für die sich wandelnden Anforderungen im Bildungssektor.

Innenarchitektur als sozialer Katalysator

Besonders beeindruckend ist, wie Innenarchitektur soziale Interaktion fördern kann. Bei der Neugestaltung einer Wohngemeinschaft für Studierende etwa wurden gemeinschaftliche Bereiche geschaffen, die zum Austausch einladen. „Räume beeinflussen maßgeblich unser Verhalten und unser Wohlbefinden„, erklärt ein Experte für Raumpsychologie. „Eine durchdachte Gestaltung kann Menschen zusammenbringen und Gemeinschaft stiften.“

Dies zeigt sich auch in der Umgestaltung eines Cafés, das durch ein flexibles Möblierungssystem verschiedene Nutzungsszenarien ermöglicht – vom gemütlichen Nachmittagskaffee bis zum lebhaften Literaturabend.

Kritische Reflexion

Bei aller Begeisterung für die Möglichkeiten der Innenarchitektur darf jedoch nicht vergessen werden, dass jede Umgestaltung auch Fragen aufwirft. Wie viel Veränderung verträgt ein historisches Gebäude? Wo liegt die Grenze zwischen zeitgemäßer Anpassung und Verlust von Identität?

Diese Fragen stellen sich besonders deutlich bei der Umnutzung von Industriedenkmälern. Hier gilt es, eine Balance zu finden zwischen der Bewahrung des industriellen Erbes und den Anforderungen moderner Nutzung. Die in der Ausstellung gezeigten Projekte demonstrieren eindrucksvoll, wie dieser Spagat gelingen kann.

Blick in die Zukunft

Die BDIA-Ausstellung „Räume im Wandel“ ist mehr als nur eine Leistungsschau der Innenarchitektur. Sie ist ein Ausblick in die Zukunft des Wohnens und Arbeitens. In einer Welt, in der Ressourcen knapp und Räume begrenzt sind, wird die kreative Umnutzung bestehender Strukturen immer wichtiger.

Innenarchitektinnen und Innenarchitekten kommt dabei eine Schlüsselrolle zu. Sie sind es, die aus dem Vorhandenen Neues schaffen, die Räume nicht nur gestalten, sondern neu denken. Ihre Arbeit ist eine stille Revolution – eine Revolution, die unsere Lebensräume Stück für Stück verändert und verbessert.

Die Ausstellung „Räume im Wandel“ ist noch bis zum 29. November 2024 im Bremer Zentrum für Baukultur zu sehen. Ein Besuch lohnt sich – nicht nur für Fachleute, sondern für alle, die einen Blick in die Zukunft unserer gebauten Umwelt werfen möchten.

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